Muchas son las obras de arte que esconden historias curiosas tras de sí, y en este caso llama la atención por el motivo representado. Se trata de "La Tentación del Hombre", una escultura realizada por Antoni Gaudí en uno de los pórticos del templo de la Sagrada Familia, en Barcelona, que muestra un ser diabólico sujetando en sus garras una bomba Orsini, que entrega a un obrero anarquista. Este tipo de bomba es un artefacto explosivo de forma esférica, inventado en 1857, que fue muy usado para llevar a cabo atentados terroristas en el último tercio del siglo XIX y a principios del siglo XX.

En España tenemos varios casos famosos de atentados con bomba Orsini:

• 24 de septiembre de 1893. Atentado del anarquista catalán Paulí Pallàs contra el militar y político Arsenio Martínez-Campos, responsable del pronunciamiento que provocó la Restauración borbónica en España, durante un desfile en la Gran Vía de Barcelona.
• 7 de noviembre de 1893. Lanzamiento de dos bombas desde la galería del quinto piso en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona por parte del anarquista aragonés Santiago Salvador Franch, como represalia por la ejecución de Pallàs. Una de las bombas no llegó a explotar, pero la otra provocó 22 muertos y 35 heridos entre los asistentes.
• 31 de mayo de 1906. Atentado del anarquista catalán Mateo Morral contra el rey Alfonso XIII el día de su boda con la princesa inglesa Victoria Eugenia de Battemberg. La bomba iba escondida en un ramo de flores, que fue lanzado desde un balcón de la Calle Mayor de Madrid al paso de la comitiva. El ramo chocó con el tendido del tranvía y no impactó contra la carroza real, pero dejó 28 muertos y decenas de heridos.

La escultura fue realizada en 1895, dos años después del atentado del Liceo, para dejar constancia de dicho acontecimiento, haciendo al mismo tiempo un paralelismo artístico entre los anarquistas y el Mal.

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Dale limosna, mujer,

que no hay en la vida nada

como la pena de ser

ciego en Granada.

Estos versos del poeta mexicano Francisco Alarcón de Icaza, que relacionan la ceguera y la belleza, podrían perfectamente servir de introducción a este artículo y, con suerte, podrían pasar a un modesto segundo plano si la técnica sigue avanzando por los derroteros artísticos.

La iniciativa por parte de museos y galerías de arte de todo el mundo llevaba en el tintero desde hace varios años, pero hasta hace unos meses no se comenzó a ejecutar. Me refiero a la adaptación táctil de algunas obras célebres de la Historia del Arte, posibilitando que personas invidentes puedan hacerse una idea de cómo son algunas de las pinturas más conocidas, más allá de las explicaciones orales, las audioguías o los manuales en braille.

Pese a la creación de exposiciones como Arte en contacto, que organizó el Centro Cultural Tijuana (CECUT) en abril de 2011, la noticia más divulgada relacionada con este tema surgió en octubre, cuando la Galería de los Uffizi de Florencia saltó a los medios de comunicación gracias a la adaptación táctil de una de las pinturas más reconocidas a nivel mundial: El nacimiento de Venus, de Sandro Botticelli. La reproducción es un bajorrelieve de 60 cm de altura y 93 cm de alto, realizado en una resina especial, que permite a los visitantes palpar con las manos una réplica en miniatura del cuadro renacentista, que, salvando las distancias, cuenta con una calidad expresiva similar a la obra original, pero supliendo la ausencia de matices cromáticos con la tridimensionalidad de las formas.

A una pregunta realizada por el presidente de la Unión Italiana de Ciegos de Florencia, Antonio Quatraro, sobre la posible aplicación de color al relieve, la directora general de los museos florentinos, Cristina Acidini, se ha pronunciado a favor, pero reconoce que trabajar con el color no es nada fácil y que para ello se requiere encontrar el profesional adecuado.

Además de la Venus de Botticelli, la Galería de los Uffizi hospeda otras obras en bajorrelieve con textos explicatorios en braille, lo que ha hecho a otros museos plantearse esta experiencia con otras pinturas, como La Fornarina, de Rafael Sanzio, conservada en el Palacio Barberini de Roma, o algunas obras, aún sin determinar, del Palacio Real de Turín y del Museo Capodimonte de Nápoles.

Espero que cunda el ejemplo italiano y que pronto podamos disfrutar de adaptaciones similares en otros museos e instituciones para acercar nuestro patrimonio a los invidentes.

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El siguiente videoclip corresponde a la canción 70 million del grupo franco-americano Hold your horses!, y está realizado bajo el sello de la productora L’Ogre. En él se suceden escenas artísticas pertenecientes a 25 pinturas de diferentes autores y épocas de la Historia del Arte, desde Cimabue hasta Andy Warhol. Lo excepcional de ello es que las escenas no son las originales, sino recreaciones vivientes de los distintos cuadros, encarnadas por los propios componentes del grupo, que cantan y tocan el tema musical al mismo tiempo que forman parte de cada una de las pinturas, en algunas ocasiones dándoles un toque humorístico.

Recomiendo que veáis el video intentando reconocer las obras que los músicos intentan emular. No obstante, a continuación añado el nombre de cada una de las 25 pinturas con su correspondiente autor y fecha de ejecución. Además, para mayor facilidad, cada título ha sido enlazado con la obra artística oportuna.

1.   Leonardo Da Vinci. La última cena (1497)

2.   Sandro Botticelli. El nacimiento de Venus (1485)

3.   Rembrandt. La lección de anatomía del Doctor Nicolaes Tulp (1632)

4.   Hans Holbein el joven. Retrato de Enrique VIII (1536)

5.   Johannes Vermeer. La joven de la perla (1665)

6.   Théodore Gericault. La balsa de la Medusa (1819)

7.   Jacques-Louis David. La muerte de Marat (1793)

8.   Miguel Ángel Buonarrotti. La creación de Adán (1511)

9.   René Magritte. El hijo del hombre (1964)

10.  Piet Mondrian. Composición en rojo, amarillo y azul (1921)

11.  Frida Kahlo. Autorretrato con mono (1940)

12.  Pablo Ruiz Picasso. Retrato de Dora Maar (1937)

13.  Edvard Munch. El grito (1893)

14.  Vincent van Gogh. Autorretrato con la oreja vendada (1889)

15.  Andy Warhol. Marilyn (1967)

16.  Autor anónimo. Gabrielle D’Estrées con una de sus hermanas (1594)

17.  Cimabue. Virgen entronizada con el Niño y seis ángeles (1285)

18.  Caravaggio. Salomé con la cabeza de San Juan Bautista (1607)

19.  Edouard Manet. Olympia (1863)

20.  Eugéne Delacroix. La Libertad guiando al pueblo (1830)

21.  Otto Dix. Retrato de la periodista Sylvia von Harden (1926)

22.  Gustav Klimt. El beso (1907)

23.  Marc Chagall. La Mariée (1950)

24.  Diego Velázquez. Las Meninas (1656)

25.  Vincent van Gogh. Jarro con doce girasoles (1888)

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Numerosos son los músicos que han interpretado la melodía del adagio del Concierto de Aranjuez del maestro Joaquín Rodrigo desde que este lo compusiera en 1939, e igualmente numerosos son los cantantes que le han prestado su voz poniéndole letra, ya sea en castellano (Dyango, Paloma San Basilio, José Carreras, Il Divo…) o en otros idiomas, como el francés (Richard Anthony, Nana Mouskouri), el italiano (Massimo Ranieri, Dalida) o el portugués (Amália Rodrigues, Zé Perdigão).

Pese a la diversidad de idiomas y de letras, todas estas versiones cantan a Aranjuez, exaltando la belleza idílica de sus jardines. Sin embargo, buscando en la ‘red de redes’ he hallado una bonita versión del 2º movimiento del Concierto de Aranjuez que no enaltece la ciudad madrileña, sino que está dedicada a una ciudad libanesa. Me refiero a Li Beirut, interpretada por Fairouz, que conserva la melodía del maestro Rodrigo pero que cuenta una letra muy diferente a la que estamos acostumbrados a escuchar. Esta letra, compuesta por Yusef Harb, es un canto de amor a la capital del Líbano, pero en la que se saborea la amargura de la guerra que ha convertido la ciudad en un mar de cenizas, de fuego y de lágrimas.

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Según una investigación realizada por especialistas del Museo Van Gogh de Ámsterdam, el conocido autorretrato del pintor (con un traje azul y un sombrero de paja amarillo), pintado en 1887, representaría realmente a su hermano Theo. Hasta ahora, se pensaba que el hermano de Vincent van Gogh no había sido pintado nunca por éste, salvo en algún dibujo, algo que parecía extraño siendo quien le había financiado durante toda su creación artística y con quien mantenía una estrecha relación, como demuestra su vasta correspondencia.

Louis van Tillborg, conservador del museo, asegura que el retratado no es el pintor por rasgos como la barba, menos espesa y recortada a media mejilla, o la oreja, pues la de Theo, al parecer, era más redonda y menos carnosa que la de Vincent, la cual corrió la suerte que todos conocemos...

Este hallazgo surge gracias a una nueva exposición del museo neerlandés ("Nuevas perspectivas: Van Gogh en Amberes y París") que reúne 93 cuadros de Van Gogh, en los que se aprecia su evolución pictórica. No obstante, este es sólo es uno de los descubrimientos que los especialistas han realizado al estudiar la obra del controvertido artista postimpresionista, ya que en el cuadro Trigal con alondra (1887) el ave no es una alondra, sino una perdiz, y en El jardín de los enamorados (1887) la escena no se desarrolla en un paseo de Asnières, sino en una calle del parisino barrio de Monmartre.

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«En un lugar de La Mancha, de cuyo nombre no quiero acordarme, no ha mucho tiempo que vivía un hidalgo de los de lanza en astillero, adarga antigua, rocín flaco y galgo corredor. Una olla de algo más vaca que carnero, salpicón las más noches, duelos y quebrantos los sábados, lantejas los viernes, algún palomino de añadidura los domingos consumían las tres partes de su hacienda. El resto della concluían sayo de velarte, calzas de velludo para las fiestas, con sus pantuflos de lo mesmo, y los días de entresemana se honraba con su vellorí de lo más fino».

De esta forma tan descriptiva comienza la obra más célebre de Miguel de Cervantes, en la que se habla de un hidalgo manchego y de su forma de vida. Pues bien, esta forma de vida es la que se ha intentado emular con un nuevo espacio museístico en Alcázar de San Juan (Ciudad Real). Me refiero al Museo del Hidalgo, que abrió sus puertas el pasado día 23 de marzo en una antigua casa solariega del siglo XVI.

En este museo, el visitante puede recorrer las distintas estancias de la vivienda y descubrir cómo era la vida cotidiana de los hidalgos a través de un buen número de piezas originales de todo tipo cedidas por el Ayuntamiento de la localidad, por museos españoles (Museo del Ejército, Museo de Santa Cruz, etc.) y por algunos particulares. Además, la exposición se completa con numerosos recursos audiovisuales e interactivos que hacen la visita más amena e interesante.

Si queréis saber más acerca de los hidalgos, o simplemente queréis pasar un rato entretenido, no tenéis más que visitar este museo alcazareño, en el que podréis realizar un viaje en el tiempo a aquella España en que se inspiró Cervantes para escribir El Quijote.

Etiquetas: museo, hidalgo, Alcázar, Quijote, Cervantes

El pasado 11 de marzo, el mismo día que se cumplían siete años de los atentados de Atocha de 2004, la tragedia se cebaba sobre Japón, siendo azotado por varios terremotos (el más fuerte, de 8,9 en la escala Richter) y un tsunami, que se han cobrado numerosas víctimas. A las pocas horas, los informativos de todo el mundo se hicieron eco del accidente nuclear de la planta de Fukushima I, y el pánico cundió aún más entre la muchedumbre, en vistas de que la zona podía convertirse en un nuevo Chernóbil.

Esta pesadilla ha despertado la solidaridad en todo el planeta, pero me ha llamado especialmente la atención la iniciativa 1000 grullas por Japón, iniciada por Makiko, una japonesa residente en Madrid que ha retomado una tradición que tiene sus raíces más directas en la historia de una niña superviviente de Hiroshima.

La iniciativa consiste en hacer 1000 grullas de origami (papiroflexia) como símbolo de paz, ayudando a cumplir el deseo del fin de la amenaza de catástrofe nuclear y la mejor suerte para los damnificados.

Desde aquí os animo a elaborar grullas de papel para contribuir a esta causa y envío mis mejores deseos para el pueblo nipón.

Etiquetas: grullas, Japón, origami, papiroflexia, Fukushima, radiación, terremoto, tsunami, Makiko

Hoy es un día histórico para las Letras y, más concretamente, para las letras hispánicas, pues el Premio Nobel de Literatura 2010 ha recaído sobre el polifacético escritor Mario Vargas Llosa.

Tras muchos años en los que su nombre se encontraba entre los favoritos para recibir tan prestigioso galardón, este peruano de nacimiento, pero con nacionalidad española desde 1993, ha sido, por fin, el elegido para ello.

Obras como La ciudad y los perros, Pantaleón y las visitadoras o La tía Julia y el escribidor le han hecho merecedor del Nobel, al igual que le ha ocurrido con una larga lista de reconocimientos que le han sido otorgados a lo largo de su extensa trayectoria.

Quién me iba a decir a mí que el pasado 5 de mayo, mientras presenciaba atónito la investidura de Vargas Llosa como Doctor Honoris Causa por la UCLM, en Albacete, me encontraba ante el premio Nobel de Literatura de este año...

¡Enhorabuena, Maestro!

Etiquetas: Vargas, Llosa, premio, Nobel, Literatura, letras

Hace unos días, la ciudad de Milán se despertaba con una nueva manifestación artística poblando sus calles. Se trata de la nueva obra del controvertido escultor italiano contemporáneo Maurizio Cattelan, una mano de mármol de 11 metros de altura, que ha sido "bautizada" como LOVE. Lo especial de la escultura es su postura, en ademán de corte de mangas, con el dedo corazón levantado.

La escultura forma parte de la retrospectiva Contra las ideologías y se ha instalado ante la Bolsa de Milán. El ayuntamiento de la ciudad ha meditado mucho la idea de colocar esta obra, de la que se conocía el boceto desde hace meses, y tras dar el paso de su instalación no han tardado en oirse voces en contra de semejante escultura, aunque las hay también a favor.

En estos tiempos de crisis económica e inestabilidad laboral, más de uno ha debido pensar que la escultura debería "mirar" hacia el edificio de la Bolsa... Lo que es seguro es que "el dedo", al igual que otras obras de Cattelan, no va a dejar a nadie indiferente. Para zanjar opiniones sobre su significado (o quizá no), el propio autor ha comunicado que "oficialmente, el nombre de esta escultura es LOVE; por lo que representa, pero cualquier persona puede leer entre líneas y quedarse con el mensaje que quiera". 

Lo que queda claro es que, como reza el dicho, "del amor al odio hay sólo un paso".

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Quisiera recomendar una película. Se trata de Bailar en la oscuridad (Dancer in the Dark, 2000), un film musical del cineasta danés Lars von Trier.

La película cuenta la historia de Selma Jezkova, una inmigrante checa que llega a EE.UU. junto a su hijo, quien debido a una enfermedad degenerativa que padece, se va quedando progresivamente ciega. Trabaja, a duras penas, en una fábrica de chapas metálicas para conseguir el dinero suficiente para operar a su hijo, pero miente a todos diciendo que ahorra el dinero para mandárselo a su padre, en Checoslovaquia. Su vida cambia radicalmente el día en que su vecino, a sabiendas de que está ciega, roba la caja en la que Selma guardaba celosamente el dinero, para pagar los gastos que le atormentan. Al darse cuenta de ello, se dirige a la casa de éste y, en un forcejeo, Selma le dispara y lo mata.

Pese a su dura y triste vida, Selma se evade de la realidad gracias a su pasión por los musicales clásicos de Hollywood, lo que hace su vida mucho más llevadera. La cantante Björk, protagonista e interprete de todas las canciones de la banda sonora de la película, realiza una actuación inmejorable y de gran calado sentimental en este atípico y desgarrador musical. 

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